L'expression scénique

Au coeur de la méthode vocale développée et éprouvée par Adeline Toniutti, qu'elle approfondit dans La Bonne Voix, il y a les réflexes de scène : ce que disent l'entrée, le regard, la tête, le bassin et les mains avant même le premier mot.

Ces réflexes pour l'entrée en scène se développent, et il existe des clés pour que le corps réponde. Tout cela s'entraîne et se vit en amont. Les grands artistes comme les grands sportifs ne cessent de le rappeler : le travail et la conscience de qui on est et de qui sont les autres sont les grandes clés pour réussir ce qu'on entreprend, et ils bâtissent la confiance en soi. Alors on ferme les yeux, moteur, ça tourne. Action.

Et si nos yeux s'occupaient de la mise en scène ? Pendant qu'on prend la parole, les yeux doivent habilement créer du lien en même temps que la parole se produit. Les personnes les plus charismatiques ont un regard naturel qui englobe toute l'assistance ainsi que les caméras. Regardez Freddie Mercury : hormis son coup de langue à la caméra en plein direct, il arpente la scène comme une panthère, jetant des regards qui intiment la foule.

Le père d'Adeline a vu Freddie en concert et lui a confié qu'en sortant du spectacle, on a l'impression que Freddie nous a regardé, soi. Sa meilleure amie Emily a ressenti exactement la même chose au sortir d'un concert de Mylène Farmer : elle était certaine que Mylène l'avait regardée, elle.

Drôle d'impression que d'être touché par un regard personnel de la star du show. C'est le panache des grands : ils ont le cœur dans la gorge et l'âme dans les yeux avec une telle force que chacun se sent visé et aimé. Ils envoient des regards qui font basculer l'assistance tel un rayon laser. Chacun, à son échelle, peut travailler ses mouvements de regard afin de renforcer son rayonnement énergétique et de donner plus de portée à sa parole.

Parmi les repères de la méthode :

Quand Lady Diana, la princesse des cœurs, s'agenouille à la hauteur des enfants venus avec leurs parents pour l'acclamer, elle ne s'agenouille pas seulement pour l'enfant, mais pour l'ensemble du peuple. C'est une immense marque de respect et d'humilité qui a marqué le monde à jamais.

Qui n'a pas remarqué les inclinaisons de bassin et de torse des stars du chant ? Céline Dion, Freddie Mercury, Steven Tyler : on croit que cette gestuelle rock sert à donner du style. C'est plutôt le geste vocal et ses prouesses qui ont créé ce style. Quand un artiste se penche en arrière, il convoque plus de contractions de la sangle abdominale ; et on en a besoin, car plus on monte dans l'aigu, plus il faut de pression.

On voit mal le président de la République se pencher en arrière pendant sa déclaration télévisée. En revanche, il y a un élément essentiel à garder pour chaque être parlant : la rétroversion du bassin. On la retrouve en basculant le bassin vers l'avant, et l'on peut ajouter un petit déverrouillage des genoux. C'est la posture idéale.

Tout n'est que mouvement : on n'a été engagé par personne pour jouer la statue de cire à côté de James Bond chez Madame Tussaud. Ce bassin dans le bon sens et toute la sangle abdominale sont parés pour soutenir toutes les intonations de voix, des plus douces et sensuelles aux plus fortes et téméraires.

Les chercheurs l'ont montré : la scène nous met dans un état de conscience modifié, « dans la zone », l'état de flow décrit par le psychologue Mihály Csíkszentmihályi. Adeline aime rapporter les mots de son amie Marie Zheng, qui a massé et accompagné tant d'artistes avant qu'ils ne foulent le parquet de l'Opéra Garnier : le stress et le trac sont l'antichambre de l'état de grâce, comme un arc que l'on étire avant d'envoyer la flèche.

Le corps doit pouvoir être élastique : il se tend avant la prise de la scène et enverra tout au moment venu. Une fois la flèche tirée, impossible de la rattraper ; ce qui compte, c'est la préparation, la visualisation de la cible, et l'acte de tirer.

Adeline se souvient de son premier prime à la Star Academy, un moment vertigineux. Ce soir-là, juste avant le direct, elle se rend dans la loge de Nikos qui, comme un ange protecteur, lui glisse quelques phrases avec un ton assuré et bienveillant dont lui seul a le secret.

Ce soir-là, c'est Nikos en personne qui lui a ouvert l'état de grâce. Avant d'entrer en scène, la dernière chanson qu'Adeline écoute est Show Must Go On de Queen. À chacun son rituel pour passer du stress et du trac à l'état de grâce.

Et ce geste que partagent tant d'artistes : ils ferment les yeux et les cœurs s'ouvrent. Quand on ferme les yeux, on éteint une partie de son mental et on se retrouve avec soi-même.

Adeline aime raconter le jour où, dans les sous-sols de l'Opéra Bastille, après des années de travail acharné sur La Traviata, sa cheffe de chant lui glisse qu'elle a enfin trouvé le truc : son potentiel est ouvert, elle est prête à se présenter devant n'importe quel chef d'orchestre ou metteur en scène, et il ne lui reste qu'à tenir la pression des castings.

C'est sur le parvis de l'Opéra, le soleil sur le nez comme elle le décrit, qu'elle interroge ce lien si particulier que les interprètes entretiennent avec leurs rôles. Elle avait alors l'impression que les chanteurs lyriques tirent sans cesse le diable par la queue, à se connecter en permanence à des émotions sombres attenantes aux rôles qu'ils veulent jouer à la perfection pour tout donner au public ; elle se demandait si elle avait vraiment percé les secrets de la connexion émotionnelle et acquis la bonne méthode d'interprétation. C'est cette interrogation qui est au point de départ de sa méthode.

Quand on débute, on cherche toujours à se référer à une émotion réelle pour « connecter cette émotion » à la chanson. Les directeurs de casting utilisent souvent cette expression comme une garantie que si le chanteur est connecté, le public sera heureux de l'entendre.

On me demande souvent : « Mais comment faire pour me connecter à une émotion que je n'ai pas vécue ? ». Je réponds : « Tu peux ressentir cette émotion par empathie pour la personne qui a vécu cette situation. » Si Barbara chante un viol dans L'Aigle noir, et qu'elle le chante ainsi, c'est avec toute la retenue qu'elle a pour le traumatisme subi, et si moi je reprends cette chanson et que je n'ai pas été violée c'est pour lui dire : « OK, message reçu, chère Barbara, je chanterai ta chanson avec toute l'empathie que j'ai pour toi et transmettrai les émotions que j'ai ressenties à l'écoute de L'Aigle noir. »

Il arrive un moment où on est connecté, et l'enthousiasme (possession divine en grec) me transperce et alors je me connecte à ce que j'appelle l'Éden des artistes. Marie Zheng, mon amie maître de tai-chi-chuan, appelle ça « la douche divine ». D'autres lui donnent un autre nom, mais peu importe… Et là, nul besoin de souffrir pour exprimer la souffrance, elle passe à travers nous afin d'émouvoir le public venu nous écouter, et vibrer pour soulager ses peines ou vibrer de joie.

Le maître-mot de la méthode : la souplesse. Adeline est une artiste qui se sert de l'oxygène entre ses fascias et ses muscles, et qui se met tout entière à la disposition de la Musique qu'elle doit servir. Elle libère son corps des traumatismes qui ont à la fois forgé son caractère et mis à rude épreuve sa sensibilité. Elle se tient là, prête à gagner la scène, à faire corps avec le public, sachant que le stress et la peur sont le signe qu'elle est prête à transmettre ce que le public attend de recevoir : la Musique et un morceau de l'Éden.