L'espressione scenica

Al cuore del metodo vocale sviluppato e collaudato da Adeline Toniutti, che approfondisce in La Bonne Voix, ci sono i riflessi scenici: ciò che dicono l'entrata, lo sguardo, la testa, il bacino e le mani ancora prima della prima parola.

Questi riflessi per l'entrata in scena si sviluppano, ed esistono segreti perché il corpo risponda. Tutto questo si allena e si vive in anticipo. I grandi artisti e i grandi sportivi non smettono di dirlo: il lavoro e la presa di coscienza di chi siamo e chi sono gli altri sono le grandi chiavi per riuscire in ciò che intraprendiamo, e costruiscono la fiducia in se stessi. Allora chiudi gli occhi, motore, si gira. Azione.

E se i nostri occhi si occupassero della messa in scena? Mentre si prende la parola, gli occhi devono abilmente creare un legame nello stesso momento in cui si produce la parola. Le persone più carismatiche hanno uno sguardo naturale che ingloba tutta l'assistenza e le telecamere. Guardate un po' Freddie Mercury: oltre al colpo di lingua alla telecamera in piena diretta, percorre il palco come una pantera lanciando sguardi che intimidiscono la folla.

Il padre di Adeline ha visto Freddie in concerto e le ha confidato che, uscendo dallo spettacolo, si ha l'impressione che Freddie abbia guardato proprio te. La sua migliore amica Emily ha provato esattamente la stessa cosa uscendo da un concerto di Mylène Farmer: era certa che Mylène avesse guardato lei, lei sola.

Strana impressione, essere toccati da uno sguardo personale della star dello show. È il panache dei grandi: hanno il cuore in gola e l'anima negli occhi con una tale forza che ognuno si sente visto e amato. Lanciano sguardi che fanno basculare il pubblico come un raggio laser. Ognuno, alla propria scala, può lavorare i propri movimenti di sguardo per rafforzare il proprio irraggiamento energetico e dare maggiore portata alla propria parola.

Tra i riferimenti del metodo:

Quando Lady Diana, la principessa dei cuori, si inginocchia all'altezza dei bambini venuti con i genitori ad acclamarla, non si inginocchia solo per il bambino, ma per tutto il popolo. È un'immensa testimonianza di rispetto e umiltà che ha segnato il mondo per sempre.

Chi non ha notato le inclinazioni di bacino e torso delle star del canto? Celine Dion, Freddie Mercury, Steven Tyler: pensiamo che questo gesto rock sia per dare stile. È piuttosto il gesto vocale e le sue prodezze ad aver creato questo stile. Quando un artista si piega all'indietro, convoca più contrazioni della fascia addominale, e ne abbiamo bisogno perché più saliamo negli acuti, più abbiamo bisogno di pressione.

Si fatica a immaginare il presidente della Repubblica piegarsi all'indietro durante il suo discorso televisivo. Però c'è un elemento molto importante da conservare per ogni essere parlante: la retroversione del bacino. Si trova quando incliniamo il bacino in avanti e si può aggiungere un piccolo sblocco delle ginocchia. Questa è la postura ideale.

Tutto non è che movimento: nessuno è stato assunto per fare la statua di cera accanto a James Bond da Madame Tussauds. Con questo bacino nel senso giusto e tutta la fascia addominale pronta, si è equipaggiati per sostenere tutte le intonazioni di voce, dalle più dolci e sensuali alle più forti e temerarie.

I ricercatori lo hanno dimostrato: la scena ci mette in uno stato di coscienza modificato, «nella zona», lo stato di flusso descritto dallo psicologo Mihaly Csikszentmihalyi. Adeline ama riportare le parole della sua amica Marie Zheng, che ha massaggiato e accompagnato tanti artisti prima che calpestassero il parquet dell'Opéra Garnier: lo stress e il panico scenico sono l'anticamera dello stato di grazia, come un arco che si tende prima di lanciare la freccia.

Il corpo deve poter essere elastico: si tende prima della presa della scena e invierà tutto al momento opportuno. Una volta lanciata la freccia, è impossibile riprenderla; ciò che conta è la preparazione prima, la visualizzazione del bersaglio e l'atto di tirare.

Adeline ricorda il suo primo prime alla Star Academy, un momento vertiginoso. Quella sera, poco prima della diretta, si recò nel camerino di Nikos che, come un angelo protettore, le disse alcune frasi con quel tono sicuro e benevolo di cui solo lui conosce il segreto.

Quella sera, fu Nikos in persona ad aprirle lo stato di grazia. Prima di andare in scena, l'ultima canzone che Adeline ascolta è Show Must Go On dei Queen. Ognuno ha il suo rituale per passare dallo stress e dall'ansia allo stato di grazia.

E quel gesto che condividono tanti artisti: chiudono gli occhi e i cuori si aprono. Quando chiudiamo gli occhi, spegniamo una parte della nostra mente e ci ritroviamo con noi stessi.

Adeline ama raccontare il giorno in cui, nei sotterranei dell'Opéra Bastille, dopo anni di lavoro intenso su La Traviata, la sua maestra di canto le disse che aveva finalmente trovato il bandolo: il suo potenziale era aperto, era pronta a presentarsi davanti a qualsiasi direttore d'orchestra o regista, e le restava solo da tenere la pressione delle audizioni.

È lì, con il sole sul naso sul piazzale dell'opera, «le soleil sur le nez» (il sole sul naso), come lei lo descrive, che interroga quel legame così particolare che gli interpreti intrattengono con i loro ruoli. Aveva l'impressione che i cantanti lirici tirino sempre il diavolo per la coda, connettendosi costantemente a emozioni oscure legate ai ruoli che vogliono interpretare alla perfezione per dare tutto al pubblico; si chiedeva se avesse davvero scoperto i segreti della connessione emotiva e acquisito il buon metodo d'interpretazione. È proprio questa domanda a stare all'origine del suo metodo.

Quando si comincia, si cerca sempre di riferirsi a un'emozione reale per «connettersi a quella emozione» nella canzone. I direttori di casting usano spesso questa espressione come garanzia che se il cantante è connesso, il pubblico sarà felice di ascoltarlo.

Se Barbara canta uno stupro in L'Aigle noir, e lo canta così, è con tutta la riservatezza che ha per il trauma subito, e se io riprendo quella canzone senza essere stata stuprata, è per dirle: «OK, messaggio ricevuto, cara Barbara, canterò la tua canzone con tutta l'empatia che ho per te e trasmetterò le emozioni che ho provato ascoltando L'Aigle noir.»

Arriva un momento in cui si è connessi, e l'entusiasmo (possessione divina in greco) mi attraversa e allora mi connetto a quello che chiamo l'Eden degli artisti. Marie Zheng, la mia amica maestra di tai-chi-chuan, lo chiama «la doccia divina». In ogni caso, non c'è bisogno di soffrire per esprimere la sofferenza: passa attraverso di noi per raggiungere il pubblico venuto ad ascoltarci, e vibriamo per alleviare le sue pene o vibriamo di gioia.

Ciò che nutre il nostro palcoscenico è la nostra espressione artistica e la nostra capacità di ricevere la Musica, di percepirla, di ascoltarla, per esprimerla al pubblico venuto ad ascoltarci. Non bisogna cercare l'energia nell'infelicità, ma piuttosto canalizzare qualcosa che ci viene dal divino e distribuirlo a volontà. La mia parola d'ordine: la flessibilità. Flessibilità della tecnica, della presenza, dell'umanità, della connessione: ciò che permette all'artista di essere allo stesso tempo se stesso e tramite della Musica e un frammento dell'Eden.