Bühnenpräsenz

Im Herzen der von Adeline Toniutti entwickelten und erprobten Stimmmethode, die sie in La Bonne Voix vertieft, stehen die Bühnenreflexe: Was der Auftritt, der Blick, der Kopf, das Becken und die Hände noch vor dem ersten Wort aussagen.

Diese Reflexe für den Bühnenauftritt lassen sich entwickeln, und es gibt Geheimnisse, damit der Körper gehorcht. All das wird trainiert und im Voraus gelebt. Große Künstler und große Sportler hören nicht auf, es zu sagen: die Arbeit und das Bewusstsein darüber, wer wir sind und wer die anderen sind, sind die großen Schlüssel zum Gelingen dessen, was wir unternehmen, und sie bauen das Selbstvertrauen auf. Also schließ die Augen, Motor, läuft. Aktion.

Was wäre, wenn sich unsere Augen um die Inszenierung kümmerten? Während wir das Wort ergreifen, müssen die Augen gleichzeitig mit der Sprache geschickt Verbindung herstellen. Die charismatischsten Menschen haben einen natürlichen Blick, der das gesamte Publikum sowie die Kameras umfasst. Schau dir Freddie Mercury an: abgesehen von seinem Zungenzeigen in die Kamera mitten in der Direktübertragung durchstreift er die Bühne wie ein Panther und wirft Blicke, die die Menge einschüchtern.

Adelines Vater hat Freddie bei einem Konzert gesehen und ihr anvertraut, dass man beim Verlassen der Show das Gefühl hat, Freddie habe einen selbst angesehen. Ihre beste Freundin Emily empfand nach einem Konzert von Mylène Farmer genau dasselbe: sie war sicher, dass Mylène sie angesehen hatte, sie allein.

Seltsames Gefühl, von einem persönlichen Blick des Stars der Show bewegt zu sein. Das ist der Panache der Großen: sie haben das Herz in der Kehle und die Seele in den Augen mit solcher Kraft, dass sich jeder angeblickt und geliebt fühlt. Sie werfen Blicke, die das Publikum wie ein Laserstrahl umreißen. Jeder kann in seinem eigenen Maßstab an seinen Blickbewegungen arbeiten, um seine energetische Ausstrahlung zu stärken und seiner Sprache mehr Tragweite zu verleihen.

Zu den Leitlinien der Methode:

Als Lady Diana, die Prinzessin der Herzen, sich auf die Höhe der Kinder bückt, die mit ihren Eltern gekommen sind, um sie zu bejubeln, bückt sie sich nicht nur für das Kind, sondern für das gesamte Volk. Das ist ein ungeheures Zeichen von Respekt und Bescheidenheit, das die Welt für immer berührt hat.

Wer hat die Becken- und Torsoverkantungen der Singstars nicht bemerkt? Celine Dion, Freddie Mercury, Steven Tyler: wir denken, dass diese Rockgeste dem Stil dient. Es ist eher die Stimmgeste und ihre Virtuosität, die diesen Stil hervorgebracht hat. Wenn ein Künstler sich nach hinten neigt, ruft er mehr Kontraktionen des Bauchmuskelgürtels hervor, und wir brauchen das, denn je höher wir gehen, desto mehr Druck brauchen wir.

Man kann sich den Staatspräsidenten kaum vorstellen, wie er sich bei seiner Fernsehansprache nach hinten lehnt. Jedoch gibt es ein sehr wichtiges Element, das jeder Sprechende bewahren sollte: die Retroversion des Beckens. Sie findet sich, wenn wir das Becken nach vorne kippen, und man kann ein leichtes Entsperren der Knie hinzufügen. Das ist die ideale Haltung.

Alles ist Bewegung. Niemand wurde engagiert, um die Wachsfigur neben James Bond bei Madame Tussauds zu spielen. Mit diesem Becken in der richtigen Richtung und dem gesamten Bauchmuskelgürtel bereit ist man ausgerüstet, um alle Stimmtönungen zu tragen, von den sanftesten und sinnlichsten bis zu den kräftigsten und kühnsten.

Die Forscher haben es gezeigt: die Bühne versetzt uns in einen veränderten Bewusstseinszustand, „in die Zone", den Flow-Zustand, den der Psychologe Mihaly Csikszentmihalyi beschrieben hat. Adeline berichtet gern von den Worten ihrer Freundin Marie Zheng, die so viele Künstler massiert und begleitet hat, bevor sie das Parkett der Opéra Garnier betraten: Stress und Lampenfieber sind das Vorzimmer des Gnadenstands, wie ein Bogen, den man spannt, bevor man den Pfeil abschickt.

Der Körper muss elastisch sein: er spannt sich vor der Bühnenübernahme und wird alles im richtigen Moment aussenden. Ist der Pfeil einmal abgeschossen, lässt er sich nicht mehr zurückholen; was zählt, ist die Vorbereitung vorher, die Visualisierung des Ziels und das Abschießen.

Adeline erinnert sich an ihre erste Primetime-Show bei der Star Academy, ein schwindelerregender Moment. An jenem Abend, kurz vor der Direktübertragung, begab sie sich in die Garderobe von Nikos, der ihr wie ein Schutzengel einige Sätze mit dem selbstsicheren und wohlwollenden Ton sagte, den nur er kennt.

An jenem Abend war es Nikos selbst, der ihr den Gnadenstand öffnete. Bevor sie auf die Bühne geht, ist das letzte Lied, das Adeline hört, Show Must Go On von Queen. Jeder hat sein eigenes Ritual, um vom Stress und Lampenfieber zum Gnadenstand zu gelangen.

Und diese Geste, die so viele Künstler teilen: sie schließen die Augen und die Herzen öffnen sich. Wenn wir die Augen schließen, schalten wir einen Teil unseres Geistes aus und finden uns mit uns selbst.

Adeline erzählt gern von dem Tag, an dem ihr in den Untergeschossen der Opéra Bastille, nach jahrelanger intensiver Arbeit an La Traviata, ihre Korrepetitorin sagte, sie habe es endlich gefunden: ihr Potenzial sei offen, sie sei bereit, vor jedem Dirigenten oder Regisseur aufzutreten, und ihr bleibe nur noch, den Druck der Vorsingen zu ertragen.

Dort, in der Sonne auf dem Vorplatz der Oper, „le soleil sur le nez" (die Sonne auf der Nase), wie sie es beschreibt, befragt sie jenes ganz besondere Band, das die Interpreten mit ihren Rollen unterhalten. Sie hatte den Eindruck, dass die Lyriker immer auf Messers Schneide wandeln, sich ständig mit dunklen Emotionen verbinden, die an die Rollen geknüpft sind, die sie zur Perfektion spielen wollen, um alles dem Publikum zu geben; sie fragte sich, ob sie wirklich die Geheimnisse der emotionalen Verbindung durchdrungen und die richtige Interpretationsmethode erworben hatte. Genau diese Frage steht am Anfang ihrer Methode.

Wenn man anfängt, versucht man immer, sich auf eine echte Emotion zu beziehen, um sich mit dieser Emotion in einem Lied zu verbinden. Casting-Direktoren verwenden oft diesen Ausdruck als Garantie, dass wenn der Sänger verbunden ist, das Publikum froh sein wird, ihn zu hören.

Wenn Barbara eine Vergewaltigung in L'Aigle noir singt, und sie es so singt, dann mit all der Zurückhaltung, die sie für das erlittene Trauma hat, und wenn ich dieses Lied aufgreife, ohne vergewaltigt worden zu sein, dann um ihr zu sagen: „OK, Botschaft empfangen, liebe Barbara, ich werde dein Lied mit all dem Mitgefühl singen, das ich für dich habe, und die Emotionen übertragen, die ich beim Zuhören von L'Aigle noir gespürt habe."

Es kommt ein Moment, in dem man verbunden ist, und der Enthusiasmus (göttliche Besessenheit auf Griechisch) durchdringt mich, und dann verbinde ich mich mit dem, was ich das Eden der Künstler nenne. Marie Zheng, meine Freundin und Meisterin des Tai-Chi-Chuan, nennt es „die göttliche Dusche". In jedem Fall muss man nicht leiden, um Leiden auszudrücken: es geht durch uns hindurch, um das Publikum zu erreichen, das gekommen ist, uns zuzuhören, und wir schwingen, um dessen Schmerzen zu lindern, oder wir schwingen vor Freude.

Was unsere Bühne nährt, ist unser künstlerischer Ausdruck und unsere Fähigkeit, die Musik zu empfangen, sie wahrzunehmen, sie zu hören, um sie dem Publikum auszudrücken, das gekommen ist, uns zuzuhören. Man soll keine Energie im Unglück suchen, sondern etwas kanalisieren, das uns vom Göttlichen kommt, und es nach Belieben verteilen. Mein Leitwort: die Geschmeidigkeit. Geschmeidigkeit der Technik, der Präsenz, der Menschlichkeit, der Verbindung: das, was dem Künstler erlaubt, gleichzeitig er selbst, ein Kanal der Musik und ein Stück des Edens zu sein.